Miguel Nogueira est concepteur artistique chez Frictional Games ; il s'est intéressé à l'art conceptuel dès son plus jeune âge. Il s'est d'abord essayé aux techniques artistiques traditionnelles avant de découvrir les concepts de personnages réalisés par d'autres artistes 3D. C'est alors qu'il s'est lancé corps et âme dans l'univers de la conception artistique, intégrant KeyShot son processus de travail pour présenter à la fois des croquis rapides illustrant l'avancement du projet et des rendus finaux de haute qualité. Nous avons discuté avec Miguel pour en savoir plus sur sa méthode de travail et comprendre pourquoi KeyShot un outil si essentiel pour lui.

Miguel Nogueira

Qu'est-ce qui vous a donné envie de devenir concept artist ?
D'aussi loin que je me souvienne, une partie de moi a toujours voulu, inconsciemment, se lancer dans le domaine de la création. J'ai découvert le concept art vers l'âge de quinze ans, en le voyant sur DeviantArt en 2005, à l'époque où le site était à son apogée et constituait véritablement la seule source pour découvrir et partager de l'art en ligne. Toutes les œuvres qui s'y trouvaient m'ont époustouflé, mais il y avait quelque chose dans le concept art qui m'a vraiment captivé. Plus tard, à l'université, je me suis essayé aux beaux-arts, au graphisme, au graffiti, à la typographie et à bien d'autres domaines artistiques et créatifs, mais ce n'est qu'après avoir vu certaines créations de robots de Darren Bartley et Nivanh Chanthara que je me suis arrêté et que je me suis dit : « C'est ça que je veux. On dirait qu'ils s'amusent beaucoup en faisant ça. Je veux en faire partie. »

Quel a été le tournant de votre carrière ?
Je pense que l’un d’entre eux a été d’avoir décroché mon premier vrai poste chez Frictional Games. L’autre a été de collaborer avec des gens de Gearbox Software. J’ai réalisé que j’étais désormais dans la cour des grands et que je devais donner le meilleur de moi-même – j’étais trop flatté et trop jeune pour leur dire que je n’y arriverais pas. En plus de ça, en tant que personne qui apprend sans cesse, j’adore recevoir des retours positifs de la part de professionnels du secteur ou des communautés et magazines spécialisés en infographie. Je me sens revigoré quand un artiste que j’admire commente ou aime mon travail. C’est magique de voir ses héros et ses sources d’inspiration faire ça. Un jour, on est leur fan, le lendemain, ce sont eux qui nous encouragent. Ça me met dans un état de flux où je travaille plus dur, plus vite et mieux. Ma volonté de travailler jaillit comme une explosion d’énergie venue de nulle part, comme une muse ou de la magie vaudou. J'ai la chance de pouvoir dire que chaque jour est l'occasion d'un tournant, qui peut survenir à tout moment !

En quoi votre approche d’un projet est-elle unique ?
Je n’avais pas grand-chose pour moi au début de ma carrière. Cela fait cinq ans que j’ai commencé à prendre mon art au sérieux, et ce n’est que depuis deux ans que je travaille en tant qu’artiste conceptuel. J'essaie de combiner mon sens de l'esthétique issu du graphisme, mes expériences personnelles pour la narration, ou toute autre connaissance que j'ai acquise. J'aime aussi beaucoup penser en analogies, métaphores et blagues, et les glisser dans un design. Chaque concept a la capacité de reposer sur autre chose que ce qu'il semble être à première vue. J'essaie d'y ajouter de la substance, de travailler sur ce qu'il représente vraiment, de m'assurer qu'il n'est pas trop littéral ou trop facile. Par ailleurs, j’adore étudier et approfondir un sujet, car plus on va en profondeur, plus on a de chances de trouver quelque chose de précieux. Je dessine des schémas, j’étudie les anomalies de l’ADN humain pour imaginer des zombies et des monstres, je m’imprègne de la culture et de la sous-culture, je capture des accidents pour les utiliser dans un contexte différent, j’expérimente et je me laisse porter. J’aime mes expériences comme j’aimerais un enfant laid, en reportant toute critique et tout jugement.

Quel est votre logiciel de modélisation 3D préféré ?
ZBrush ! Ça ressemble beaucoup à de la vraie argile et ça ne donne jamais l'impression d'être du travail, mais plutôt d'un jeu ou, du moins, ça rappelle beaucoup un enfant qui joue avec du sable ou de la boue.

À quelle étape du processus utilisez-vous KeyShot?
Je peux m'en servir pour finaliser un projet avec un rendu ou pour présenter une série d'esquisses en cours de réalisation à l'aide d'un KeyShot . KeyShot dans la création de rendus rapides et de haute qualité. C'est formidable de pouvoir obtenir rapidement un résultat final et d'hybrider mon processus : je réalise des sculptures rapides dans ZBrush pour le brainstorming, puis je les rends dans KeyShot argile, KeyShot métal ou KeyShot autres matériaux afin de les présenter comme un travail en cours. D'autres fois, j'utilise KeyShot obtenir un rendu de base et le peindre numériquement, mais j'apprécie vraiment de constituer ma bibliothèque de shaders – cela me fait gagner du temps à long terme.

Pourquoi KeyShot est-il KeyShot outil indispensable ?
C'est une très bonne question. Il existe de nombreux moteurs de rendu excellents, mais KeyShot me KeyShot de créer des rendus très, très rapidement et avec un niveau de qualité élevé. Grâce à KeyShot, je peux consacrer tout mon temps à la sculpture et à la conception, et ne consacrer que les 10 % restants au rendu. C'est presque comme si je réalisais le travail de conception puis que je confiais le rendu à quelqu'un d'autre. C'est génial quand un outil travaille avec vous, mais c'est encore mieux quand un outil travaille pour vous, ce que KeyShot tout le temps. Vous n'avez pas besoin de bidouiller de nombreux paramètres, et vous n'avez pas besoin de « l'apprendre ». C'est simple : vous lancez, c'est parti. En d'autres termes, avec KeyShot, je concentre toute mon énergie sur la conception. Un luxe que je n'ai pas trouvé possible avec d'autres moteurs de rendu, et certainement pas aussi bien.

Quel conseil donneriez-vous à quelqu’un qui souhaite se lancer dans votre domaine ?
Souvent, les artistes ont tendance à copier ce qui est à la mode dans le milieu, ce qui n’est pas un problème en soi, mais il existe un éventail d’influences bien plus large dont vous pouvez vous inspirer. Se contenter de suivre les tendances de l’industrie du divertissement ne vous mènera pas très loin. Je trouve que les œuvres d’art devant lesquelles je m’arrête pour les regarder attentivement pendant plus de trois secondes sont celles où l’artiste communique quelque chose qui lui est propre, que lui seul peut exprimer – une expérience qu’il a vécue. Ce n’est pas une copie d’une copie d’une copie. De plus, la bande passante du monde est bien plus large que celle de votre connexion Internet ou de votre téléviseur. Puisez votre inspiration dans des endroits inattendus : graffitis, typographie, design de mobilier, nature, voyages… Tout a le pouvoir d’enrichir les connaissances que vous possédez déjà et de vous ouvrir des voies d’exploration entièrement nouvelles.