Stéphane Wootha Richard

Stéphane Wootha Richard ist freiberuflicher Konzeptkünstler und Illustrator in den Bereichen Fernsehen, Animation, Videospiele und Verlagswesen. Inspiriert von seinem Vater hat er das, was er im Laufe der Jahre durch Musik und Softwareentwicklung gelernt hat, genutzt, um seinen Traum, Künstler zu werden, zu verwirklichen, und schafft nun Werke, die absolut atemberaubend sind. Stéphane erzählt uns mehr über seine Anfänge und darüber, wie er KeyShot seinem Arbeitsprozess einsetzt.

Was hat Ihr Interesse daran geweckt, Konzeptkünstler/Illustrator zu werden?
Mein Vater war traditioneller Maler. Daher wuchs ich mit dem Gedanken auf, dass ich eines Tages auch Maler werden würde. Aber lange Zeit lief es nicht in diese Richtung. Nachdem ich zehn Jahre lang meinen Lebensunterhalt mit Musik verdient und anschließend weitere sechs Jahre in der Softwareentwicklung gearbeitet hatte, habe ich mich erst mit 36 ernsthaft mit digitaler Kunst beschäftigt. Ich habe als Kolorist für Comics angefangen, war dann als Illustrator tätig und bin heute freiberuflicher Konzeptkünstler.

Was war der Wendepunkt in Ihrer Karriere?
An entscheidenden Punkten habe ich tolle Leute kennengelernt, die mir wirklich dabei geholfen haben, in der Kunstbranche Fuß zu fassen. Von den Redakteuren bei Ankama Publishing (Comic-Kolorierung bei Zeit totschlagen, Maori) an den Fernsehproduzenten Adam Lawson (leitender Grafiker und Art Director bei Titansgrave) oder die großartigen Leute von Powerhouse Animation (visuelle Entwicklung für Netflix Castlevania). Sie waren genau dann da, als ich etwas brauchte, das passierte. Man kann es Glück nennen, ich tue es jedenfalls 🙂 Aber der Wendepunkt in meinem Leben kam durch eine Art Erleuchtung, als mir klar wurde, dass ich zu meinem Kindheitstraum zurückkehren musste. Es war hart, aber heute bin ich froh, dass ich die Zeit investiert habe, denn es ist ein fantastischer Job.

Was ist das Besondere an Ihrer Herangehensweise an ein Projekt?
Es ist nicht leicht, dies objektiv zu beurteilen, aber ich glaube, meine Vergangenheit als Musiker und Softwareentwickler hat mir geholfen, einen ganzheitlichen Ansatz für Kreativität zu entwickeln. Ich bin bei weitem kein Spezialist in irgendeinem Bereich: Ich bin kein guter Zeichner, Maler oder Bildhauer. Aber ich betrachte jede neue kreative Herausforderung als ein Problem, das es zu lösen gilt. Ich versuche, mich auf verschiedene Fähigkeiten und Kenntnisse zu stützen, wie Fotografie, Gestaltungsprinzipien, Komposition, Lichtphysik, Optikgesetze, Kameraobjektive, Farbskripting, visuelles Storytelling und allgemeine Neugier, um meine Konzepte und Bilder zu entwickeln. Wenn es darum geht, eine schwierige technische Herausforderung zu lösen, versuche ich, sie in kleinere, leichter zu bewältigende Probleme aufzuteilen.

Welche 3D-Modellierungssoftware nutzt du hauptsächlich? Warum?
Auf jeden Fall ZBrush. In meinem Arbeitsablauf – und da mir die Topologie egal ist – ist es das schnellste und vielseitigste Modellierungswerkzeug, das ich je ausprobiert habe. Ich habe früher Maya, Modo und Blender gelernt, und das sind alles großartige und unglaublich leistungsstarke Programme. Aber für Konzeptkunst finde ich, dass ZBrush so intuitiv ist wie Bleistift und Papier.

An welcher Stelle des Prozesses setzt du KeyShot ein?
Ich betrachte KeyShot meine Leinwand. Mit der „ZBrush to KeyShot erfolgt die Synchronisierung der Geometrie mit ZBrush fast augenblicklich – Strg+R und 20 Millionen Polygone werden in Sekundenschnelle aktualisiert. Ich richte meine Hauptkamera schon sehr früh im Prozess ein, mit KeyShot meinem zweiten Bildschirm. Ich male buchstäblich mit Geometrie, Licht und Schatten und synchronisiere meine ZBrush-Szene so oft wie möglich. Technisch gesehen kann ich mich so ganz auf das konzentrieren, was auf der „Leinwand“ zu sehen ist, während ich kreativ gesehen die gleichen Vorteile habe wie bei der Arbeit in 2D, mit einem frühen Fokus auf Design und Komposition. Wenn meine Szene in 3D ausreichend definiert ist, führe ich einige Render-Durchgänge durch: Diffuse, Reflection, ID (Clown) und Depth. Diese liefern mir genügend Informationen, um das Bild in Photoshop fertigzustellen. Von einstündigen Skizzen bis hin zu 30 Stunden Keyframes ist der Arbeitsablauf derselbe.

Was macht KeyShot zu KeyShot unverzichtbaren Werkzeug?
Keyshot mit Abstand die schnellste Render-Engine, die ich bisher getestet habe. Und die Fähigkeit, innerhalb weniger Sekunden eine präzise Vorschau auf Licht- und Schattenverläufe zu liefern, ist für meinen Arbeitsablauf als Konzeptkünstler unverzichtbar. Ich muss so schnell wie möglich entscheiden, ob sich ein Strich in ZBrush, einmal in 2D projiziert, in ein design- und kompositionstechnisch interessantes Formdesign umsetzen lässt. Ich denke, die Bridge macht KeyShot perfekten Begleiter für ZBrush bei der Konzeptkunst.

Ich liebe auch die Beleuchtung in KeyShot – sie ist einfach so ansprechend und regt meine Kreativität wirklich an. Eine weitere Funktion, die mir in KeyShot besonders gut gefällt, KeyShot Punktlichter und IES-Lichter. Sie wirken sehr natürlich und schön. Ob beim Entwerfen von Umgebungen, Innenräumen oder Figuren – sie sind äußerst interessante kreative Werkzeuge. Wenn ich sie von Anfang an einbaue, entwickeln sich meine Skulpturen im Einklang mit der endgültigen Beleuchtung weiter und ermöglichen es mir, Formen zu entdecken, auf die ich in ZBrush allein nicht gekommen wäre.

Welchen Rat würdest du jemandem geben, der daran interessiert ist, das zu tun, was du tust?
Ich denke, das Wichtigste ist, eine Leidenschaft für Kunst, visuelles Storytelling, Design und das Lösen von Problemen zu haben. Bei der Konzeptkunst geht es darum, Ideen zu vermitteln, sei es durch Komposition, Farbgebung, Formensprache, Erzählung, kulturelle Bezüge, Glaubwürdigkeit, die Umsetzung von Vorgaben usw. Natürlich gehört es zum Job, diese Idee in ein schönes Bild umzusetzen, aber das ist nur die Spitze des Eisbergs. Ich halte überhaupt nichts von Konkurrenz, aber es ist erwähnenswert, dass es sich um einen sehr begehrten Job handelt, sowohl in Festanstellung als auch als Freiberufler. Man muss also bereit sein, entsprechend zu arbeiten und dranzubleiben, denn jedes Jahr verlassen viele junge und talentierte Leute die Kunsthochschulen. Aber ich denke, es ist wichtig, eine eigene Handschrift zu entwickeln und das Portfolio nicht mit genau denselben Motiven und demselben Stil zu füllen, den alle anderen verwenden. Viele Künstler, die ich bewundere und die in dieser Branche sehr erfolgreich sind, haben einen ganz eigenen Stil, und genau aus diesem Grund wenden sich Unternehmen an sie.