Stéphane Wootha Richard

Stéphane Wootha Richard est un artiste conceptuel et un illustrateur indépendant qui travaille dans les secteurs de la télévision, de l'animation, des jeux vidéo et de l'édition. Inspiré par son père, il a utilisé ce qu'il a appris au fil des ans dans le domaine de la musique et du développement de logiciels pour réaliser son rêve de devenir artiste et créer des œuvres absolument époustouflantes. Stéphane nous en dit plus sur ses débuts et sur la façon dont il utilise KeyShot dans son processus.

Qu'est-ce qui vous a donné envie de devenir artiste conceptuel/illustrateur ?
Mon père était un peintre traditionnel. J'ai donc grandi avec l'idée qu'un jour, je serais peintre moi aussi. Mais cela n'a pas été le cas pendant longtemps. Après avoir gagné ma vie grâce à la musique pendant dix ans, puis travaillé dans le développement de logiciels pendant six autres années, ce n'est qu'à l'âge de 36 ans que je me suis sérieusement impliqué dans l'art numérique. J'ai commencé comme coloriste de bande dessinée, puis comme illustrateur et aujourd'hui je suis un artiste conceptuel indépendant.

Quel a été le tournant de votre carrière ?
J'ai rencontré des gens formidables à des moments clés qui m'ont vraiment aidé à mettre un pied dans l'industrie de l'art. Des éditeurs d'Ankama Publishing (coloriage de bandes dessinées sur Le temps de la mort, Maori) au producteur de télévision Adam Lawson (directeur artistique et rédacteur en chef de l'émission Titansgrave), ou les gens de Powerhouse Animation (développement visuel sur Netflix Castlevania). Ils ont été là au moment où j'avais besoin que quelque chose se passe. On peut appeler ça de la chance, je le fais 🙂 Mais le tournant de ma vie s'est produit sur une sorte d'épiphanie quand j'ai réalisé que je devais retourner à mon rêve d'enfant. Cela a été difficile, mais aujourd'hui je suis contente d'y avoir mis les heures, parce que c'est un travail fantastique.

Qu'est-ce qui rend votre approche d'un projet unique ?
Il n'est pas facile d'être objectif à ce sujet, mais je pense que mon passé de musicien et de développeur de logiciels m'a aidé à développer une approche holistique de la créativité. Je suis loin d'être un spécialiste dans quelque domaine que ce soit : Je ne suis pas un bon crayonneur, peintre ou sculpteur. Mais je considère chaque nouveau défi créatif comme un problème à résoudre. J'essaie de m'appuyer sur différents ensembles de compétences et de connaissances, tels que la photographie, les principes de conception, la composition, la physique de la lumière, les lois de l'optique, les objectifs d'appareil photo, l'écriture des couleurs, la narration visuelle et la curiosité générale, afin de créer mes concepts et mes images. Lorsqu'il s'agit de relever un défi technique difficile, j'essaie de le diviser en problèmes plus petits, plus faciles à gérer.

Quel est votre principal logiciel de modélisation 3D ? Pourquoi ?
Définitivement ZBrush. Dans mon flux de travail, et parce que je ne me soucie pas de la topologie, c'est l'outil de modélisation le plus rapide et le plus polyvalent que j'ai jamais testé. J'ai appris Maya, Modo et Blender dans le passé, et ce sont tous des outils formidables et incroyablement puissants. Mais pour le concept art, je pense que ZBrush est aussi intuitif qu'un crayon et du papier.

À quel moment du processus utilisez-vous KeyShot?
Je considère KeyShot comme ma toile. Avec le pont ZBrush to KeyShot , la synchronisation de la géométrie avec ZBrush est presque instantanée - Ctrl+R et 20 millions de polygones sont mis à jour en quelques secondes. Je configure ma caméra principale très tôt dans le processus, avec KeyShot sur mon second écran. Je peins littéralement avec la géométrie, la lumière et les ombres, en synchronisant ma scène ZBrush aussi souvent que possible. Techniquement, cela me permet de me concentrer uniquement sur ce qui est vu sur la "toile", tandis que du point de vue créatif, je bénéficie des mêmes avantages que si je travaillais en 2D, en me concentrant très tôt sur le design et la composition. Lorsque ma scène est suffisamment définie en 3D, j'effectue quelques passes de rendu : diffusion, réflexion, ID (clown) et profondeur. Cela me donne suffisamment d'informations pour terminer la peinture dans Photoshop. Des croquis d'une heure aux images clés de 30 heures, c'est le même processus.

Qu'est-ce qui fait de KeyShot un outil important à posséder ?
Keyshot est de loin le moteur de rendu le plus rapide que j'ai testé jusqu'à présent. Sa capacité à donner un aperçu précis des motifs d'ombre et de lumière en quelques secondes est essentielle à mon travail d'artiste conceptuel. J'ai besoin de décider aussi vite que possible si un trait dans ZBrush va se traduire par une forme intéressante en termes de conception et de composition une fois projeté en 2D. Je pense que le Bridge fait de KeyShot le compagnon idéal de ZBrush pour le concept art.

J'adore également l'éclairage de KeyShot, qui est si attrayant et stimule vraiment ma créativité. Les lumières ponctuelles et les lumières IES sont une autre caractéristique que j'aime beaucoup dans KeyShot . Ils ont une réponse très naturelle et très belle. Qu'il s'agisse de la conception d'environnements, de scènes intérieures ou de personnages, ce sont des outils créatifs très intéressants. Réglées dès le départ, elles font évoluer mes sculptures avec l'éclairage final et me permettent de découvrir des formes auxquelles je n'aurais pas pensé avec ZBrush seul.

Quels conseils donneriez-vous à quelqu'un qui souhaite faire ce que vous faites ?
Je pense que la chose la plus importante est d'être passionné par l'art, la narration visuelle, la conception et la résolution de problèmes. L'art conceptuel consiste à communiquer des idées, qu'il s'agisse de la composition, de la palette de couleurs, du langage des formes, de la narration, des références culturelles, de la crédibilité, de la traduction succincte, etc. Bien sûr, transformer cette idée en une belle image fait partie du travail, mais ce n'est que la partie émergée de l'iceberg. Je ne parle pas du tout de concurrence, mais il convient de mentionner que c'est un travail très convoité, tant en interne qu'en free-lance. Il faut donc être prêt à travailler en conséquence, et continuer à travailler en conséquence, car de nombreux jeunes et talentueux sortent des écoles d'art chaque année. Mais je pense qu'il est important de développer sa propre voix et de ne pas remplir son portfolio avec les mêmes sujets et le même style que tout le monde. De nombreux artistes que j'admire et qui réussissent très bien dans ce secteur ont une empreinte très spécifique, et les entreprises s'adressent à eux pour cette raison précise.